Mit jedem Album touren Sie mehrfach durch Europa. Es scheint Ihnen großen Spaß zu bereiten, live aufzutreten?
Sheppard: “Natürlich. Für viele Musiker ist es das Ein und Alles, vor Publikum zu spielen. Aber nicht für mich. Das Schönste am Touren ist, nach den Konzerten Leute zu treffen und mit ihnen zu reden. Ich finde es spannend zu erfahren, wie meine Musik auf sie wirkt. Gerade während dieser Akustiktournee habe ich viel Zeit, mit meinen Fans zu reden.”

Aus eigener Erfahrung weiß ich, dass es viele Fans gibt, die immer und immer wieder Ihre Konzerte besuchen.
Sheppard: “Ich kenne welche, die waren schon auf zwölf Sophia-Konzerten. Beeindruckend, oder? Da dieses Mal die Eintrittspreise etwas niedriger und die Clubs kleiner sind – ich wusste nämlich ehrlich gesagt nicht, ob mich viele allein auf der Bühne ertragen würden – treffe ich auch viele neue Fans.”

Es heißt, an freien Tagen würden sie am liebsten schwimmen gehen. Sie haben sogar schon an zwei Schwimm-Marathons teilgenommen.
Sheppard: “Na, wer genießt es nicht, einige Runden im Wasser zu drehen. Drei Tage vor dieser Tour nahm ich an einem Rennen teil. Es lief okay. Ich war nicht ganz so schnell wie im letzten Jahr. Da arbeitete ich gerade an dem Album ‘There Are No Goodbyes’ und war unglaublich depressiv. Ich versuchte, das mit Songschreiben und Schwimmen zu bekämpfen. Da ich in Kalifornien aufwuchs und eine Affinität zu Wasser habe, ist Schwimmen für mich eine meditative Erfahrung. Es ist perfekt, um abzuschalten.”

Kai Florian Becker (Mai 2010)

Erfahrene Produzenten wie Polow Da Don (Fergie, Pussycat Dolls), Tricky Stewart (Rihanna, Katy Perry, Beyoncé) sowie die australische Singer-Songwriterin Sia, Linda Perry (Pink, Gwen Stefani, Ex-4 Non Blondes) und Musiker von Le Tigre und Ladytron standen ihr bei den Aufnahmen zur Seite. Die Idee war, “einen Schritt in ihre Welt zu wagen und ihren Sound mit meinen Visionen und Sounds zu kombinieren”, erklärt Aguilera. So kamen ganz unterschiedliche, teils futuristische Songs zustande: modernster R&B mit einem schrägen, aber ungemein verführerischen Rhythmus (”Bionic”), Electro der alten Schule (”Elastic Love”), ein Latin-Partysong, wie ihn Gloria Estefans einstige Band The Miami Sound Machine anno 2010 nicht hätte besser machen können (”Desnudate”), ein Electropop-Ohrwurm (”Glam”) und etwas Southern-HipHop (”Prima Donna”).

Die vielen Balladen, u.a. “Sex For Breakfast”, “All I Need” und “You Lost Me”, nehmen in der zweiten Albumhälfte leider erst einmal viel Luft raus, weshalb die zuvor mit wilden Rhythmen aufgeheizte Stimmung in einem Meer der Melancholie zu versinken droht. Andererseits sticht da die geschmeidige Ballade “Lift Me Up” hervor, die aus der Feder von Aguileras langjähriger Kollaborateurin Linda Perry (siehe “Beautiful” und “Hurt”) stammt. Und am Albumende stehen ja noch “Jungle Juice”, das so klingt, wie es heißt, und zwei weitere Partyhymnen: “Vanity” und “My Girls”. In Letzterem wirkt die Wahlberlinerin Merrill Beth Nisker alias Peaches, eine Expertin in Sachen Electropunk mit schlüpfrigen Texten, mit. Ohne Zweifel einer der Höhepunkte auf “Bionic”.

Kai Florian Becker (Juni 2010)

Sie wuchsen als Kind blinder Eltern auf. Inwiefern hat diese Tatsache Ihr Leben geprägt?
Fitzsimmons: “In vielerlei Hinsicht hat das meine Kindheit gar nicht beeinträchtigt. Sie unterstützten mich und meine Geschwister darin, hart an uns zu arbeiten, unabhängig und einsichtig zu sein. Was wohl alle guten Eltern vermitteln würden. Andererseits wurde ich in einem unglaublich schwierigen Umfeld groß. Es existierten keine visuellen Reize. Selbst kurze Reisen waren unmöglich und das Vertrauen in Klänge war das A und O. Wir wurden erzogen, unsere Ohren zu benutzen und nicht unsere Augen, um zu verstehen und mit der Welt zu kommunizieren. Der wichtigste Teil der Erziehung war, zu lernen, mit Musik zu sprechen.”

Ihr Vater soll trotz seiner Behinderung vor Jahren eine Orgel gebaut haben?
Fitzsimmons: “Er hat sehr effizient seine Ohren, Hände und seinen Verstand eingesetzt, um Dinge zu machen, die Du und ich dank unserer Augen im Nu erledigen könnten. Er kannte sich schon als Kind mit Elektrizität aus, werkelte mit den ersten Computern herum und ist wohl der brillanteste Mensch, den ich je getroffen habe. Er war ein Fan von Orgeln und deren Musik. Es dauerte, bis er seine Orgel fertig hatte. Da war ich etwa zehn Jahre alt. Unser Wohnzimmer war zum einen mit Möbeln zugestellt, zum anderen mit der Orgel. Sie klang wahnsinnig gut. Es war aufregend, einen solchen Klang aus der Nähe erleben zu können. Leider mussten meine Eltern nach ihrer Scheidung das Haus und damit die Orgel verkaufen.”

Sie spielten nie in einer Band, schrieben Ihre Songs stets alleine. Warum?
Fitzsimmons: “Diesbezüglich bin ich ein Einzelgänger. Ich hatte es mit befreundeten Musikern versucht, doch letztlich habe ich lieber keine Menschen um mich herum, wenn ich komponiere. Das mache ich am liebsten in aller Stille und Abgeschiedenheit. Im Studio und auf Tour habe ich allerdings meine Band dabei. Introvertierte Menschen brauchen andere Menschen, extrovertierte sind manchmal lieber allein. Am besten man hat, wie ich, die Wahl zwischen beidem.”

Kai Florian Becker (Juni 2010)

Als am Morgen die Nachricht die Runde machte, Rihanna sei mit einem fast 100-köpfigen Tourtross und an die 20 Lastwagen angereist, wunderte man sich noch, was am Abend alles aufgeboten werden würde. Allein schon die riesige Bühne, mit einem breiten, langen Ausleger bis in die Hallenmitte hinein, gab die Antwort. Im Hintergrund hingen zudem riesige Leinwände und schon kurz nach Showbeginn fuhr ein rosafarbener Panzer auf. Verrückt. Derweil marschierten Tänzer mit nacktem Oberkörper, Pickelhaube und rosa Gewehr zu Rihannas betörendem R&B/Pop-Mix über die Bühne, während es auf der Leinwand in Bonbon-Farben Bomben vom Himmel hagelte. Ein erstaunlich martialischer, aber auch imposanter Beginn einer nahezu makellosen Popshow. Die stand unter dem Motto “Last Girl On Earth”, was das überwiegend endzeitliche Videoszenario zu erklären vermochte.

Eigentlich war die Bühnenshow recht einfach konzipiert. Die Leinwand ersetzte aufwendige Dekorationen und konnte mit Leichtigkeit dem Song entsprechende Hintergrundbilder liefern. Für “Fire Bomb” stiegen beispielsweise animierte Feuerfontänen und Atompilze auf, bei “Shut Up & Drive” stürzten Dummys durchs Bild, während sich aus dem Laufsteg ein Autowrack erhob, das Tänzerinnen mit einem Baseballschläger bewaffnet umkreisten. Leicht gruselig wurde es bei “Disturbia”, einem ihrer fünf US-Top 1-Hits: Ein Wald bei Mondschein inklusive Vampire und Fledermäuse.

Danach war es Zeit für Rihannas ersten Kostümwechsel. Nach einer kurzen Videosequenz ließ sie sich, von den Klängen ihres neuen Songs “Rockstar 101″ begleitet, in einem verboten verführerischen schwarzen Lack-Catsuit von der Hallendecke herab. Sie zeigte vollen Körpereinsatz und räkelte sich nicht mehr ganz so jungendfrei vor einer Kamera, deren Bilder live auf die Leinwand projiziert wurden (”Rude Boy”).

Die Abkühlung folgte in Form eines Akustiksets, der mit einer sehr mäßigen Coverversion des Oasis-Hits “Wonderwall” eingeleitet wurde. Das war eines der beiden Mankos an diesem Abend: Rihanna näselte “Wonderwall” arg lieblos dahin. Außerdem nahmen die sich nahtlos aneinandergereihten Akustiksongs, zu denen auch die Pianoballade “Unfaithful” gehörte, etwas die Luft aus der bis dahin ereignisreichen und insbesondere temporeichen Show. Gott sei Dank sollte sich das bald wieder ändern. Mit “Don’t Stop The Music” küsste Rihanna ihr Publikum wieder wach. Akrobaten turnten an schwebenden Maschinengewehren, und Rihanna tanzte ausgelassen in einem Käfig.

Es ging Schlag auf Schlag; manch ein Song wurde nur noch angespielt: etwa das Sheila E.-Cover “The Glamorous Life”, für dessen Performance Rihanna extra Schlagzeug-Stunden genommen hatte, damit sie nur ja an den Percussions eine gute Figur abgibt. Die Perfektionistin hätte sich wirklich keine Sorgen machen müssen: Die 90 Minuten vergingen wie im Fluge und kamen der vollendeten Popshow sehr, sehr nahe. Entgegen der immer wieder aufkeimenden Kritik, Rihanna habe keinen Modegeschmack, was sie in der Vergangenheit tatsächlich einige Male mit äußerst scheußlichen und kitschigen Kostümen andeutete, hielt sie sich in der Rockhal diesbezüglich zurück. Nur für den Höhepunkt, ihren unwiderstehlichen Hit “Umbrella”, schlüpfte sie in ein seltsames, weiß leuchtendes Kostüm, in dem sie wie eine neumodische Stehlampe aussah.

Kai Florian Becker (Mai 2010)

Kai Florian Becker (Mai 2010)

Neu erfunden hat sich das Trio nicht. Was auch nicht vonnöten war, solange sie so gewaltig rocken wie in “Conscience Killer” und gleich im Anschluss das Tempo drosseln, um einen Quasi-Popsong folgen zu lassen, dessen hochtönigen Gitarrenriffs dem Pop etwas Paroli bieten (”Bad Blood”). Später gibt es noch eine Akustikballade mit Echo im Gesang und Orgel im Hintergrund (”Sweet Feeling”), einen hingebungsvollen Zeitlupensong (”Aya”) und den Ohrwurm “Shadow’s Keeper”. Gute Platte.

Kai Florian Becker (Mai 2010)

Auf der Facebook-Website von Fettes Brot steht: “Fettesbrot packt seine Koffer und nimmt mit: Das Nervenkostüm!” Sie sind doch nicht etwa aufgeregt, wenn Sie auf Tournee gehen?
“Das Nervenkostüm ist unsere achtköpfige Band, die wir liebevoll so nennen. Davon ab: Wenn man jeden Abend vor ein paar tausend Leuten auf die Bühne geht, und wenn man will, dass alles funktioniert und gut wird, und mit einer gewissen Leidenschaft bei der Sache ist, bleibt Nervosität nicht aus.”

Das Video zur aktuellen Single “Kontrolle” entstand unter der Regie von Björn Beton. Er hatte erstmals Regie geführt. Woher hat er den Sachverstand?
“Um Sachverstand haben wir uns noch nie gekümmert, sonst hätten wir uns nie auf die Bühne gewagt. Im Ernst: Björn hatte eine gute Idee, sich Hilfe genommen und sein Konzept seinen Vorstellungen entsprechend umgesetzt. Das Resultat spricht für sich.”

Und wurde auf Netzpolitik.org gepostet, einem Blog für Freiheit und Offenheit im digitalen Zeitalter. War es Ihre Intention, so ernst genommen zu werden?
“Auf jeden Fall. Wer was nachher mit unserem Video macht, das können wir nicht beeinflussen. Unser Ziel war es, das Thema Kontrolle, Überwachungsstaat und Internetsperre in einen Popsong einzubringen. Wenn das Ergebnis dann auch auf solchen Seiten besprochen wird, freuen wir uns durchaus.”

In dem Lied setzten Sie den Auto-Tune-Effekt ein, der die Stimme künstlich verändert. Kommt heutzutage kein Popalbum ohne diese nervige Spielerei aus?
“Sicherlich. Aber es passte inhaltlich bestens. Der Auto-Tune kontrolliert ja die Stimme, damit die Töne immer richtig liegen.”

Ist Fettes Brot nun eine politische und doch keine Unterhaltungsband?
“Das ist kein Wiederspruch. Wir sind beides. Wir haben keine Scheu, unsere Ansichten kundzutun. Doch wird man bei uns keinen erhobenen Zeigefinger sehen. Besonders gelungen ist ein Lied dann, wenn man dazu in der Disco tanzen kann und zuhause beim genaueren Studium des Textes ins Grübeln kommt.”

Hätten Sie es in den Neunzigern je für möglich gehalten, auch 2010 noch mit Fettes Brot zu touren und Alben zu veröffentlichen?
“Vor 18 Jahren hätte ich bestimmt nein gesagt. Wir sind keine Band, die große Zukunftspläne schmiedet. Unsere Planungen erstrecken sich immer auf ein halbes, maximal auf ein Jahr. Ich kann mir durchaus vorstellen, mit 60 Jahren noch Musik zu machen. Solange wir Spaß an der Sache haben, das Gefühl überwiegt, dass wir noch relevant sind, und sich die Leute für uns interessieren, machen wir weiter.”

Wie sehen Sie die Veränderungen, die der deutsche HipHop in den letzten Jahren durchgemacht hat?
“Der HipHop hat die Entwicklungen genommen, die alle Subkulturen durchmachen, wenn sie in den Mainstream Einzug erhalten. Es gibt eine gewisse Pluralität: verschiedene Stile und verschiedene Ansätze. Das wiederum kann auch zu einer Art Beliebigkeit führen. Letztlich ist der HipHop ein fester Bestandteil der Musikkultur, der sicherlich auch in Zukunft immer mal wieder aufregende Künstler hervorbringen wird. Leider sind momentan die Dummdreisten etwas lauter als die Intelligenten. Aber das kann sich wieder ändern. Ich halte nichts von Pessimismus und hoffe aufs Beste.”

Was ist das Geheimnis, dass Fettes Brot seit 18 Jahren zusammen sind?
“Es ist eine Mischung aus vielen Dingen. Wir haben im Verlauf unserer Karriere nicht jeden Euro mitgenommen, den wir hätten verdienen können und haben uns eher für die Kunst denn fürs Geld entschieden. Dann wären da die drei Typen in der Band: Wir mögen uns und inspirieren uns gegenseitig. Wir sind in erster Linie Freunde, dann erst Kollegen. Außerdem sind wir nach wie vor neugierig und haben tierischen Spaß, Platten aufzunehmen, auf Tour zu gehen und unser Leben mit Musik zu beschreiten. Ohne den Spaß würde es keinen Sinn mehr machen.”

Und warum sind Ihre Songs seit jeher so erfolgreich? Liegt es daran, dass Sie musikalisch stets am Puls der Zeit sind? Oder an der Ironie in Ihren Songs?
“Beides. Wir beschäftigen uns eingängig mit aktueller Musik und vermeiden es, uns zu wiederholen. Viele Fans sind mit uns gewachsen. Andererseits ist es erstaunlich, wie viele junge und neue Fans auf unseren Konzerten auftauchen. Das gibt uns ein sehr gutes Gefühl.”

Man hat nicht den Eindruck, Sie würden sich zu ernst nehmen, zugleich aber nehmen Sie Ihren Job sehr ernst.
“Das ist schön gesagt. Ein ironischer Abstand zu sich selbst, ist ungemein wichtig: im Privatleben und erst recht als Popstar. Wenn man sich jeden Tag so benimmt, als sei man am offenen Herzen operiert, wäre das sehr schnell peinlich. Glücklicherweise haben wir diese Distanz. Aber sobald wir in ein Studio oder auf eine Bühne gehen, haben wir den Ehrgeiz, es so gut zu machen, wie wir können.”

Seit längerem erscheinen Ihre Tonträger auf Ihrem eigenen Label Fettes Brot Schallplatten. Vielen Künstlern wäre das zu viel; sie konzentrieren sich auf die Musik und kümmern sich weniger ums Business…
“Wir sind eine gewachsene Truppe, der auch noch andere angehören. Der Ehrlichkeit halber muss ich sagen, dass sich eben diese anderen um das Label kümmern. Unser Hauptaugenmerk liegt auf der Musik. Wir treffen uns nur ein Mal die Woche und besprechen geschäftliche Dinge.”

Bei einer anderen Plattenfirma wäre es vielleicht nicht so einfach zu realisieren gewesen, zwei Livealben an einem Tag zu veröffentlichen. Wieso eigentlich zwei separate Alben?
“Das hat mit popkulturellen Zusammenhängen zu tun. Die Beatles haben das schon so gemacht und auch Gun’n'Roses. Wir wollten uns – so größenwahnsinnig wie wir sind – da einreihen. Daher haben wir zwei durchdesignte, edel verpackte Alben herausgebracht.”

Kai Florian Becker (Mai 2010)

Bevor allerdings diese Frage beantwortet werden konnte, gab es eine andere Band zu bewundern: I Like Trains. Das in Leeds beheimatete Quartett ist selbst auf der Insel noch recht unbekannt und schaffte es mit dem 2007 veröffentlichten Debütalbum “Elegies To Lessons Learnt” nicht einmal in die Top 100 der UK Charts. Doch nach Tourneen im Vorprogramm von British Sea Power, The Sisters Of Mercy und aktuell den Editors rekrutieren I Like Trains langsam mehr und mehr Fans. Und wenn sie regelmäßig so überzeugend aufspielen wie am Montag in der Rockhal, dann sollte der Aufstieg sogar noch schneller vonstatten gehen. Ihr erstes Konzert in Luxemburg mussten sie vor 15 Zuschauern absolvieren. Diesmal waren es “mindestens doppelt so viele”, scherzte Sänger und Gitarrist David Martin.

Die Musik von I Like Trains ist vergleichbar mit den ruhigen Passagen der schottischen Postrocker Mogwai. Wobei die getragene Stimme Martins an Paul Banks von Interpol erinnert. Auffällig war, mit welcher Behutsamkeit und Anmut die Songs arrangiert wurden. Selbst wenn die Band einmal aus sich herausging, das Tempo anzog und die Lautstärke erhöhte (etwa in “The Voice Of Reason”), blieb Martins Gesang erstaunlich unaufgeregt. Er verabschiedete sich denn auch mit einem zarten, fast schüchternen “Merci beaucoup” von einem zufriedenen Publikum.

Mittlerweile war der Club bis in die hintersten Ecken gefüllt. Die Erwartungen an den Auftritt der Editors waren groß. Kaum war das Licht erloschen, brach der erste Jubel los. Smith & Co. eröffneten ihr Konzert mit dem Titelsong ihres neuen Albums. Der klang annähernd nach den Editors der beiden Vorgängeralben “The Black Room” und “An End Has A Start”.

Von Beginn an im Mittelpunkt stand Sänger/Gitarrist Smith. Von weitem sah er aus wie der US-Schauspieler Edward Norton in dem David Fincher-Film “Fight Club”. Allerdings war Smith nicht gekommen, um sich prügeln, noch agierte er so, als sei er verrückt. Bei vorherigen Auftritten war sein Gebaren nahezu unerträglich und ließ vermuten, er habe ein massives Drogenproblem. Doch dem war wohl nie so. Vielleicht war es auch nur Show? Diesmal jedenfalls hielt er sich mit seltsamen Gesten weitestgehend zurück.

Das vierte Lied war ein neues. So perfekt und glasklar der Sound war, “You Don’t Know Love” fiel gegenüber dem zuvor Gehörten deutlich ab. Hatte man bis dahin den Eindruck gehabt, eine Rockband experimentiere ein wenig mit Electroklängen, stand nun plötzlich eine Electroband auf der Bühne, die in der zweiten Songhälfte überraschend eine Gitarre erklingen ließ. Dazu passte auch “Last Day”. Diesen Song hatten Editors anlässlich des Record Store Day erst kürzlich in Großbritannien als limitierte Vinylsingle veröffentlicht. So nah waren Editors noch nie an Depeche Mode dran. Allerdings hinterließ diese Verneigung einen unmotivierten und faden Eindruck. Besser gefielen “Munich” und “Smokers Outside The Hospital Doors”, beide rockig und älteren Datums. Im Zugabenteil überraschte die Singleauskopplung “Papillon”, die in Belgien Ende letzten Jahres auf Platz eins stand. Ein neuer, sehr beschwingter Song, der aber nicht darüber hinwegtäuschen konnte, dass die Rockband Editors wesentlich bessere Songs schreibt als die Electroband Editors. Insofern war man hin und her gerissen zwischen Wohlwollen und Zweifel.

Kai Florian Becker (Mai 2010)

M.I.A, Born Free from ROMAIN-GAVRAS on Vimeo.